Joana Hadjithomas y Khalil Joreige ofrecen un sugestivo contraplano de la homogeneidad de la imagen informativa que, a lo largo de este siglo, ha erigido un muro visual en su obsesión por el registro continuo. El cine debe luchar para derribarlo interpelando a nuestra mirada.
La ausencia es un concepto inherente a la propia naturaleza del cine. Este texto propone un acercamiento a las herramientas formales con las que Kawase trabaja en “Shara” para elaborar una poética sustentada sobre la dicotomía presencia/ausencia.
A partir de la obra de Harmony Korine el autor de este texto plantea algunos interrogantes sobre el estado del panorama cinematográfico contemporáneo y sobre las dificultades que se presentan cuando tratamos de abordarlo.
Cuatro autores aparentemente muy diversos pero conectados. Cuatro auténticos cuentistas, cuatro fabuladores, cuatro directores a los que el puro placer de narrar mantiene en activo.
En el pasado Festival de Sitges, mientras algunos redactores de Transit paseábamos por la playa, encontramos en la arena una enigmática botella en la que se ocultaba el quid de una de las series más emblemáticas de la televisión actual.
Un año antes de que vea la luz la primera entrega de la trilogía sobre Tintín que traman Steven Spielberg y Peter Jackson volvemos atrás para indagar en una curiosa pieza precedente sobre las aventuras del «intrépido reportero», Tintín y el misterio de las naranjas azules.
Recorrido por la caleidoscópica figura de Peter Whitehead, un realizador ya retirado al que se le dedicó una pequeña retrospectiva durante la VII edición del Festival de Cine Documental Musical de Barcelona y que bien merece una reivindicación por su desconocida relevancia en la Historia del Cine Contemporáneo.
Segunda parte de la aproximación al concepto de la ausencia en el cine de Naomi Kawase; en este caso, a partir del roce entre las imágenes de Shara (2003), La aventura (1960) de Michelangelo Antonioni y la visión del mundo de Pasolini.
Es un pequeño ejercicio hecho a partir de unos apuntes sueltos sobre el cine moderno. No tiene más pretensiones que probar construir un texto donde la imagen opera dentro tgal como si fuera una palabra o frase más; una especie de texto en pictogramas.
Junio 2009. No sabría decir qué me llevó exactamente a los Estados Unidos, pero todo viaje es una búsqueda. Y emprendí un trayecto, personal y cinéfilo, en el que se dieron cita toda una serie de obsesiones histórico-culturales.
El encuentro privado entre los dos cineastas tuvo lugar en un coffe shop indio de Beverly Hills, pero las resonancias entre ambas obras no se limitan a lo anecdótico y dan lugar a un recorrido apasionante de esbozos, recuerdos e imágenes.
No solo estamos ante una curiosa aproximación a la Guerra Civil Española, filmada en Hollywood, mientras esta se desarrollaba, sino también ante un trabajo casi imprescindible, un filme construido desde un particular lirismo desesperado.
¿Qué son las imágenes de la ciencia? ¿Hacia dónde nos llevan? El huevo del picón, la película inaugural del científico Jean Painlevé, nos permite un primer acercamiento microscópico a esta cuestión.
En estos cuatro filmes es la fascinación del hombre por la imagen de una mujer ausente la que marca la evolución de los relatos, dibujando los obsesivos trayectos de un deseo masculino que bascula siempre entre el éxtasis y la tortura.
Van Sant quiso desmarcarse radicalmente de Hollywood financiando al estilo independiente un filme que partía de una idea contenida en siete palabras: “Dos tipos se pierden en el desierto”. (…) Los inmensos planos secuencia de “Sátántangó” habían dejado…
Un breve diálogo entre el cineasta y el pintor que podría haberse producido en una playa tahitiana en un tiempo indefinido. Dos aventureros de la creación, buscadores de nuevas imágenes, comparten opiniones sobre el arte.
Como no puede ser de otro modo tratándose de una obra de Brian De Palma, Vestida para matar es un filme que se construye en torno a la mirada, un filme donde todo se resuelve como en una partida, a vida o muerte, entre alguien que observa y alguien que es observado.
De Tokio a Roma. De la calle de la vergüenza al suburbio. Del retrato coral al dual. De la mamma a la geisha. Del callejón al burdel. De la serenidad del maestro a la rabia del aprendiz. De Mizoguchi a Pasolini. Puede que la relación entre ambos cineastas no sea evidente, pero existe.