El autor analiza una de las obras maestras de Richard Fleisher, donde, entre muchos aspectos, sobresalen el uso del formato panorámico, los serenos planos de larga duración y el acercamiento a una comunidad solo idílica en la superficie
«(…) volviendo la vista a la pantalla descubriremos nuestra propia verdad, aquello que antes era imperceptible capturado a golpe de luz o simplemente nuestro propio reflejo.»
Aunque Hiroshi Teshigahara nunca estuvo vinculado al movimiento “oficial” de la nueva ola japonesa, su filmografía de los sesenta compartía muchos de sus valores, especialmente el tema de la pérdida de identidad (que adquiere un singular relieve en una sociedad como la japonesa en la que el individualismo no es necesariamente percibido como un valor positivo)…
Bruno Hachero quedó impresionado por la “evocación escrita y realizada a partir de los recuerdos de Jacques Demy” que es «Jacquot de Nantes» (como anticipan sus propios créditos) y escribe una poética reflexión a partir de las imágenes filmadas por Agnès Varda.
Óscar Navales desmenuda The Saga of Anatahan, «el auténtico testamento fílmico» de Josef von Sternberg: «película elaborada con un afán tan artesanal como rabiosamente personal, de atmósfera extraña y enigmática, de narrativa densa, compleja y un punto críptica….».
El acto de filmar no solo ha vampirizado a espectadores, también a cineastas. El autor vuelve sobre las imágenes de «El aficionado» de Kieslowski a partir de su relación íntima con los orígenes del cine, «El fotógrafo del pánico» y «Arrebato».
El filme de Raoul Walsh es una compleja y muy orgánica fusión entre los códigos narrativos propios de un género popular y la pormenorizada descripción documental de los usos y costumbres de una sociedad en un período histórico muy concreto…
Con el virtuosismo y la violación de la norma aparcados, Baron filma casi siempre en estático o con ligeros movimientos funcionales. Un ojo con ansia de viñeta, prudente y consciente de sus limitaciones. Con los centros de atención bien determinados, resolviendo situaciones con franqueza amateur
«Manhattan Sur» es una obra imperfecta, descompensada, que como el mejor cine plantea cuestiones sin dar respuestas. Tal vez no sea la película más personal ni la mejor de su autor, pero sí la más sentida y desesperada…
Lo interesante es el tratamiento opuesto y en paralelo que ambos filmes hacen de sus protagonistas. De hecho, esto es lo que hace que las dos películas estén íntimamente relacionadas y conformen un discurso único: «El luchador» y «Cisne negro» presentan la fusión de la Bella y la Bestia en un mismo cuerpo y en dos relatos diferentes.
El cine de propaganda nazi no solo era belicismo y xenofobia explícitas. Esta película es un entretenimiento artero que, entre romances y canciones, idealiza una sociedad totalitaria y genocida. La Filmoteca de Cataluña la recuperó dentro de un ciclo de proyecciones contextualizadas.
En su miniserie para la HBO, Haynes ha jugado a retratar dos tensiones. La primera, la suya de siempre: el conflicto entre las normas sociales y los sentimientos individuales. La segunda, la de su heroína con el rol de mujer intachable y pura impuesto por el género.
En este filme de Melville, el lenguaje gestual tiene una importancia capital. La respiración, las direcciones de las miradas, las expresiones faciales y los pequeños movimientos de las manos se convierten en indicadores de lo que sucede en el interior de los personajes, desvelándonos tanto sus inquietudes como la evolución de sus emociones y afectos…
Filmar la ausencia a través de los objetos, las páginas escritas, los lugares vividos o las fotografías tomadas en el pasado es la espesa capa con la que Alain Cavalier viste a «Irène»…
Carax nunca filma el puente como paso o acceso, sino como límite. El director compone los planos del filme acentuando esa línea de piedra que atraviesa la imagen, que forma diagonales u horizontales que cruzan el encuadre y parten la pantalla en dos mitades irregulares…
En su primer largometraje, el director portugués Pedro Costa nos proporciona un rico ejemplo de lo que aquí llamaremos «jugadas». Este texto se concentra en una escena muy breve, compuesta solo por ocho planos: un fragmento antológico, cincuenta y dos segundos de puro cine condensado…
La soledad es tan solo uno de los múltiples temas que interesan a Richard Brooks en su antepenúltima y muy densa película, que es también, con toda probabilidad, una de las más fascinantes del cine norteamericano de los años setenta…
«Waking Life» ha sido siempre mucho más que el descubrimiento del rotoscopiado y su aplicación técnica digital en sintonía con la transición ontológica que va de la naturaleza analógica del cine a un nuevo estadio digital.