El extrañamiento sobre el mundo que contienen todas las películas del director alemán se torna, pues, extrañamiento, ironía y parodia sobre el propio cine. Solo así es posible que huya del cliché y se vuelva a poner en funcionamiento…
Pueden entenderse como dos miradas antagónicas. La quietud de uno frente al movimiento frenético de otro. Lo metafórico contra lo inmediato. Sin embargo, tras ver ambas, la sensación es que son extremidades de un mismo cuerpo. Han utilizado medios diferentes para abrazar una misma idea.
El filme, que se interesa por el acto de creación y rompe con los códigos convencionales del documental musical, relega la cámara-ojo a la invisibilidad, a un rincón desde donde, escondida, espía el proceso creativo de Balibar y sus músicos…
En el marco del estreno barcelonés de “Ne change rien”, conversamos con el realizador portugués y, entre otras cuestiones, le preguntamos sobre el inaudito trabajo sonoro de su cine donde, en contra de lo habitual, no solo se nos invita a mirar sino también a escuchar.
Sin querer prescindir de ningún enfoque, este festival mastodónico de documentales se ha convertido en la principal cita cinematográfica de Madrid. He aquí un posible recorrido por algunos de los títulos más destacados de su VII edición.
En la azotea del Reina Sofía, el cineasta estadounidense atiende tímido a los periodistas, casi molesto por usar las palabras, pues en imágenes se expresa el poeta del mar.
En un principio parecía una tarea simple, simplemente grabar en la calle, algo improvisado, al “estilo Blogothèque”. No teníamos una idea fija de lo que queríamos, de hacia dónde caminar o qué preguntas hacerle. Ninguno habla el idioma del otro…
Desde la primera aparición del mono-fantasma, el escenario queda establecido: entramos en un nuevo territorio. Su respiración, entre la espesura de la jungla, nos invita a acompañarle, nos introduce en una nueva dimensión…
El ceder, en muchas ocasiones, se convierte en perderse a uno mismo. Pero, ¿cuándo el «Nosotros» empieza a ahogar al «Yo» y cuándo el «Yo» requiere pasar sobre el «Nosotros»?
El filme de Nolan aborda la dualidad del ser humano y la percepción subjetiva que este tiene de los acontecimientos que tienen lugar a su alrededor, la hábil manipulación de la que puede ser víctima un hombre a manos de otros, los conceptos tradicionales de tiempo y espacio alterados por una mente enajenada…
El filme plantea qué hubiera pasado si el padre de John y Pearl (de «Happiness») hubiera vuelto de la prisión en lugar de ser ejecutado. O, más exactamente, qué hubiera pasado si Robert Mitchum hubiera formado una familia y volviera con los suyos.
Estamos ante dos películas en una: un drama familiar y una cinta de ciencia ficción que por sí solas pueden parecer convecionales, pero que alimentándose entre ellas consiguen ir golpeándose, escondiendo la necesidad de recurrir a efectos dramáticos…
Siempre me han gustado los dinosaurios que se sostienen sobre el escenario a lo largo del tiempo sin esforzarse en parecer jóvenes ni agradar al respetable. Anvil era lo más parecido a la idea que tenía de metal puro, sin concesiones, duro y a la encía, tan seco…
Una cuestión de estilo. De cómo el cineasta logra convertir en imágenes no solo una historia sino la cadencia de una prosa, su hálito vital, a la par que le confiere su sello personal. Un proceso de escritura a cuatro manos donde destaca Isabelle Huppert.
El filme no es solo el esperado homenaje del cineasta a la modernidad europea y a dos de sus «padres espirituales» (François Truffaut y Jean Pierre Léaud) sino, sobre todo, un perplejo cuestionamiento de todo lo que estos representan en la actualidad…
En un pueblo suspendido en la frontera entre Galicia y Portugal se celebra este pequeño festival interdisciplinar. No goza aún del reconocimiento que se merece, pero lo logrará con ediciones como esta en la que hubo dos retrospectivas dedicadas a Raymond Depardon y Jay Rosenblatt.
Si bien las similitudes de la trama recuerdan a «Rosetta», «Where Are You?» forma una suerte de simetría con las películas de Gus Van Sant. Kobayashi, como hacía el americano, se muestra interesado por el sentimiento de pérdida de los adolescentes y por la responsabilidad social que las políticas de sus respectivos países tienen sobre ello.
Que nadie se engañe: esta es una película genuinamente «andersoniana», en la que siguen presentes los conflictos paternofiliales, un luminoso humor absurdo y ese curioso sentido de la intimidad que siempre han tenido los personajes de su obra, con esas caras entre la mueca y la confesión a destiempo…